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一 · 沉浸式藝術裝置案例盤點
（一）悉尼：The star沉浸式體驗空間
Ramus藝術團隊是澳大利亞的一家多學科設計工作室，其在悉尼完成了世界上第一個永久性沉浸式藝術作品——the star沉浸式體驗空間。將光、水以及交互式藝術畫廊融為一體，呈現一個精美的沉浸式藝術空間。該項目的創作總監、藝術導演BruceRamus表示：“我希望連接不同的元素，使整個空間環境在視覺上形成一個同步的整體，從而創造出與建築空間相交融的數字藝術作品。其最終的目的是讓人的體驗變得更加完整和豐富。”
（二）土耳其：沃爾特·迪斯尼音樂廳
來自土耳其的數字媒體藝術家—— Refik Anadol 利用數據，將他的藝術感觸結合數據轉化為的極具表現力光影藝術。沃爾特·迪斯尼音樂廳，坐落洛杉磯，擁有起伏的不鏽鋼外觀。這一年Refik Anadol和他的團隊接到一項任務將這座音樂廳打造為“夢想”主題的大型藝術裝置。Anadol擅長數據整合創作于是他提出：“用一種創造性的、計算機化的“大腦” 來 模仿人類 如何做夢，通過處理記憶來形成圖像和想法的新組合。”
（三）倫敦：泰特現代美術館
當觀衆置身倫敦泰特現代美術館（Tate Modern），回顧丹麥籍冰島藝術家奧拉夫·埃裡亞松（Olafur Eliasson）這三十年間的創作時，他們開始紛紛思考：這個星球的氣候變化對未來生活的影響。埃裡亞松的不少作品，都是圍繞自然現象和天氣變化的種種探索。這次展覽的策展人，泰特美術館高級策展人馬克·高弗雷（Mark Godfrey）說：“埃裡亞松的創作不斷促使觀衆觸及感知的本質，他的許多裝置作品都運用了反射、倒置、處理後的圖像和顔色變換，從而挑戰了我們的方向感和感受環境的方式。”
（四）美國：漂浮藝術裝置
Janet Echelman創作建築規模的實驗性雕塑，她擅長挖掘柔軟材料所蘊含的強大而有機的力量，并利用風、光線等自然元素增加作品的表現維度。她的作品常建立在嚴謹的調查數據基礎上，并將其予以視覺化呈現，通過變化豐富的有機形態呈現出地球的脈動，激發人們對自然的思考。
二 · 沉浸式藝術裝置生産邏輯
（一）色彩與燈光的氛圍感營造
沉浸式藝術的核心為“沉浸”，從物理層面來講，主要依靠藝術家在特定空間內，采用聲、光、電等元素，為觀衆營造的一個有別于現實的場景，從而使觀衆在獲得感官體驗的同時與作品産生互動，進而引發共鳴。在這個創作過程中，色彩和燈光的設計能夠以最直接有效的方式影響觀衆的視覺觀感，從而使其身心浸入到空間營造的氛圍中。
以藝術裝置Aura為例，Aura 是一個超級裝置，以顔色和光線作為完全互動體驗的絕對關鍵。AURA 超越了觀衆的概念，把他變成了一個巨大的、神奇的、創造性的表演中的演員，在這個表演中，每個人的光環都與他身邊的人的光環相互作用，催化新的能量場，散發出新的光芒。通過高于所有原始創造性行為的高度複雜的技術，讓所有人都能感受到圍繞在所有身體周圍的光環的東方概念。
作品概念來自于 Pepper's Ghost 的想法—— 數字藝術家、工程師、平面設計師、視覺和視頻藝術家、燈光和聲音設計師的集體——將光具體化和觸摸為一種有生命的資源和生命之源，發揮有遠見的創造力、體驗設計、最創新的技術來講述不是一個故事，而是讓自己沉浸在由聲音、感官和情感組成的多個故事中。
（二）空間與建築的創意性轉化
藝術裝置的設計需要與所處空間或建築相互融合，這既是對建築空間的再利用與再生産，也是對沉浸式藝術裝置創作設計的形式創新。以《怪奇物語》帝國大廈燈光秀為例，SUPERBIEN與Giant Spoon 和 Netflix 合作為《怪奇物語》第 4 季制作設計了帝國大廈的視頻地圖。
SUPERBIEN 使用 了《怪奇物語》第 4 季原始資料、圖像和鏡頭創建了 12 分鐘的原創動畫和視覺效果。共使用 46 臺視頻投影儀揭示了邪惡的 Vecna、Demogorgon 和 Rift to the Upside Down，以及一些十一和霍珀等主要角色的簡短插入。
（三）藝術與文化的抽象化敘事
沉浸式藝術展、藝術裝置的迅速發展，使得藝術創作手法也愈發多樣化，大量獨立先鋒主義的新興藝術裝置，借助抽象的線條或視覺圖形、生活實物變形來完成藝術裝置的敘事設計。Fields是Tobias Gremmler的作品，他為場景裝置創作的變形虛擬舞者被投射在平行的紗幕上。
這些環狀的序列發現，纖細的身體慢慢形成，給出最簡短的獨唱、二重唱和群舞，然後溶解在一個漩渦運動中，抽象地想象出扭曲的肌肉和飄逸的頭發。
隨著能量的建立，消散和重生，它逐漸變得類似于一系列的生命周期，在空間和時間的漩渦中一個又一個空靈的舞蹈。
（四）體驗與交互的沉浸式營造
沉浸式藝術裝置有別于傳統影視或文旅産品的“觀演獨立”模式，而是鼓勵遊客或觀衆走進藝術空間或裝置內，從身體到心理沉浸其中。這就對藝術裝置的體驗感、交互感提出了更高的要求。以拉斐爾藝術展為例，以拉斐爾作品的作品為基礎塑造新媒體藝術。當第四堵牆被移除，設計和音樂融合在一起以吸引、吸引和擁抱觀衆，讓他們感覺自己是參與者時，沉浸式藝術就會出現。
拉斐爾 2020 無疑是 16 世紀文藝複興盛期的典型民主化，在一個缺乏我們今天享受的增強體驗的時代，傳達了藝術感動人們的目的和力量。
WOA Creative Company 構思并制作了一場迷人的圖像和聲音視覺盛宴，繪畫之間微妙的粉狀過渡讓人回想起魔法是如何從顔料開始的。這部 45 分鐘的作品通過大師一生的迷人旅程吸引了觀衆，從他在烏爾比諾的出生到他在佩魯賈和佛羅倫薩的逗留，再到他在羅馬教皇宮廷的早逝。
三 · 沉浸式藝術裝置的趨勢思考
沉浸式藝術大火的同時，也引發了業界質疑——沉浸式藝術是否違背了藝術的嚴肅性，促使藝術轉而向娛樂化和商業化發展？這種聲音并非空穴來風，活躍在市場上的沉浸式藝術作品也的確是良莠不齊。
以所謂的“網紅藝術展”為例，該類展覽雖然不乏沉浸式藝術展覽的互動性、絢麗的場景布置和極具噱頭的主題，但卻因缺乏內涵而僅被公衆視為拍照打卡場所。
2015年，“不朽的梵高”感應藝術大展在上海舉辦，該展覽一經推出就遭到了公衆和媒體的強烈質疑——除了吐槽該展覽沒有一件真作之外，130元的低性價比票價也是引發非議的關鍵所在。由此可見，觀衆對于沉浸式藝術的期待并非隻停留在形式上，他們所期望看到的是能引發精神共鳴且更具深意的藝術作品。
雖然沉浸式設計所帶來的未來似乎隨著5G的商業化而離我們日益接近，但距離真正像移動互聯網一樣地顛覆人們生活方式還早得很，而這就催生了沉浸式設計的人才缺口。
據報道，到2030年，我國VR/AR相關崗位需求數量將達682萬個，且作為新興行業，相關工作人員的薪酬待遇也相當可觀。據2020年2月發布的年度工程師薪資狀況報告數據顯示，VR/AR工程師的年薪在美國舊金山可達到15萬美元（約合人民幣104.4萬）。
在5G時代到來之際，無論是人們的生活方式，還是市場的人才需求都會發生巨大的變化。科技的發展日新月異，沉浸式設計的風口已至，在不久的將來，沉浸式設計的成品也必然會越來越貼合我們今日所能想象到的沉浸式該有的樣子。
